みなさんこんにちは！
トランペットを吹く人、教える人の荻原明（おぎわらあきら）です。
前回、前々回に続き、ロングトーンについて書いてまいります。今回は主に吹奏楽団の合奏形式で行うことが多いです。実践的なお話が多くなります。できましたら、ロングトーンに関する記事を順番にご覧になってください。
もし前回の記事をご覧になってない場合は、ぜひ続けて読んでください。
今回はバンド、特に吹奏楽部での基礎練習の考え方について書いていきます。
バンドでのロングトーン
吹奏楽部などの基礎練習にロングトーンを用いることは多いと思いますが、皆さんの団体ではどのように行なっていますか？
私が知っている限りですが、ほとんどの場合決められたメニューを同じようにこなしている場合が多いです。それが決して悪いわけではありませんが、前回までの話を参考にして考えると、何だか時間がもったいないと感じませんか？
しかも、毎回同じメニューだと、「いつものあれ」みたいに習慣化しすぎて、なぜ何のために行なっているのかを見失い、ただこなすだけのつまらない時間になりがちです。せっかくやるならもっと楽しく、意味のあるものにしたいですよね。
ですから、前回挙げたような様々な趣旨、スタイルでロングトーンを有効に使ってみてください。
また、複数で行うロングトーンには、アンサンブルという「バランス」を意識する課題が生まれます。そういった合奏に直結する基礎練習に位置付けられると、非常に意義のある時間になるでしょう。
テンポについて
複数人で行うロングトーンは、メトロノームのクリック音に合わせていくことが多いと思います。もちろん均一なテンポ感を養うことは大切ではありますが、テンポというのは絶対的な反復リズムではなく、ましてやそこに音符をはめ込んでいくことが音楽ではありません。本来は作曲者が想い描くフレーズの中にテンポという要素が含まれていることを理解してください。それがわかっていてメトロノームを使うぶんには構いません。
また、これまでの話でわかるようにテンポは誰かに与えられたり、示されてそれに従うものではなく、自発的に生み出していくものです。指揮者が振っている指揮棒の動きでテンポが生まれると思っている方が多いですが、テンポを生み出しているのは奏者であって、現場監督である指揮者が基準を決定しているにすぎません。ですから、ロングトーンをしているときにもメトロノームのクリック音に合わせようとすると、どうしてもずれたり遅れたりしがちで、それを解消するために「テンポのクリック音に狙いを定める」意識になってしまうと、いろいろと音楽ではなくなってしまうので注意が必要です。
打楽器奏者の存在
そうならないために、打楽器奏者に協力を求めるのはいかがでしょうか。ロングトーン練習時、打楽器奏者に何をしてもらうか、それぞれの見解が異なります。ロングトーン時は別室で練習している姿を目にすることも少なくありません。
そこで提案なのですが、ロングトーン時に用いる何パターンかの打楽器用の楽譜を用意し、様々な楽器で参加します。と言うと、メトロノームと同じように叩いたり、合わせたりすることばかりになってしまうのですが、そうではなくて、もっと音楽的な、例えば4拍目だけに打楽器全員が呼吸を合わせて4分音符を演奏するとか、1小節かけてpからfへクレッシェンドしたりとか、ビートや拍子ではなく、フレーズの中に打楽器の存在を置く考え方です。
ロングトーンの問題点のひとつに、音を伸ばす行為が「停滞」したイメージの演奏になるところです。その場で静止しているようなロングトーンになると、体がこわばり、逆効果です。そんな時に打楽器が音楽を前へ前へ推進力を持った演奏をすることで、活きたロングトーンになるのでは、という考えです。
他にも、もっとエンターテイメント要素を含めたロングトーンがあっても良いと私は思っています。
例えば、音楽のスタイルを学ぶ目的で様々な基本リズムを打楽器で生み出してもらいます。マーチやスウィング、ロック、ワルツ。他にも例えば、みんな大好き「宝島」はサンバアレンジですから、あれをそのままロングトーンのリズムにしてしまうなど。どんな楽器を用いて、それぞれの打楽器はどんなリズムを奏でているのでしょう。打楽器奏者は楽譜に書いてあるからその通り演奏するのではなく、それぞれの音楽の持つスタイルを知った上で演奏に参加すべきだと思いますから、ロングトーンでその研究をするのもアリだと思っています。
しかも、打楽器の定位置から移動したり、動き回りながら演奏するのも楽しいのではないでしょうか。
思いついたことはどんどんやってみる。それが基礎練習の楽しさで、音楽への柔軟性ではないかと思います。
音量バランスを確認する
同じ30名のバンドでも、その編成によって求められるバランス感覚は様々です。ロングトーンで「私たちの（今の）吹奏楽部のベストバランス」を見つける日々の練習をするのも良いですね。
フォルティッシモの時にはどのようなサウンドバランスがベストか。金管楽器や打楽器は少し考えてみたいところです。ピアニッシモの時にはクラリネットやフルートはどのようなバランスが良いのか。クレッシェンド、デクレッシェンドのバランスも研究してみたいですね。
指揮者が必要なロングトーン
メトロノームではなく、指揮者による音楽的なロングトーンはいかがでしょうか。rit.やaccel.、ある小節（音）に来たらテンポが変化するとか、途中にフェルマータが存在しているかなど。音を伸ばすというシンプルな場面だからこそ、テンポ表現に関して指揮者と一緒に作り上げていきます。
また、テンポだけでなくダイナミクスやリズムパターンを用意して、アーティキュレーションを付けたりもできますね。
特定のパターンを徹底的に練習するためのロングトーン
スタッカートやテヌートなどのアーティキュレーションだけでなく、シンコペーションや付点（付点8分音符+16分音符）のリズムなど、一般的によく出てくるパターンを徹底的に練習するロングトーンがあっても良いと思います。
アーティキュレーションに関しては、場面ごとに求められる表現が異なりますから、思いつく限りのイメージを共有して演奏します。今のメンバーで作り上げるバンドの基準値を作り出す目的です。
奏者の位置をランダムに変えていくロングトーン
合奏は木管が前、金管が後ろと決まっていますが、ロングトーンの練習時は別にそうでなくても良いですよね。各自、自由に位置を変更して、ロングトーンをすることで、合奏時には遠くにいた楽器の響き、ピッチ感、呼吸を感じることができると思います。遠くにいる楽器は、合奏中にどれだけ意識してもやはり遠くにいる楽器として認識してしまうので、このような経験もメリットになるはずです。
2つのグループに分かれたロングトーン
これはいつも言っていることですが、音楽は聴く人がいて初めて成立します。それは基礎練習のロングトーンでも同じことです。ホールの3階席まで奏者の意思、豊かな響きを届けるためのサウンドを追求したり、明確なリズムが客席まで届くためにどのような演奏をする必要があるのかを研究する。これも大切です。
そこで、体育館など広い部分を確保して、奏者を2つのグループに分け、できるだけ離れて向かい合い、ロングトーンや基礎的なリズムパターンを交互に練習してみましょう。距離があると演奏にどのような変化が起きるのかをより具体的に理解するために行うため、片方は客席の人という設定です。もしかすると、あまりの音の形のゆるさ、これだけやっても伝わらない聴衆とのギャップにビックリするかもしれません。
前向きなフィードバックが大切
これらの工夫したロングトーンを行なったとしても、それが結果的にどうだったのかを客観的に判断できなければ単なる実験、自己満足に終わってしまいます。何事もより良いものを作り上げていくためには改善への提案が必要です。
これを「反省」と呼ぶこともできますが、私は「反省」という言葉があまり好きではなく、なぜなら多くの方がネガティブなものを挙げていく「ダメ出し」と混同してしまうからです。
部活動でもやはり真面目な子ほど次から次へと「あれがダメだった」「これがダメだった」と言いがちで、しかもその解決法がわからないままネガティブを散乱する傾向にあるので、雰囲気が悪くなってしまいます。ダメ出しが続くと人間は辟易してしまいますから、あくまでも前向きに、
「もっと面白くできないか」「もっとクオリティを上げられないか」
という探求をみんなでしていってもらいたいと考えます。
行き詰まったらプロの出番
様々な提案をして、みんなでフィードバックしても、どこかで必ず行き詰まってしまうと思います。
改善点は見つけられたけど、それを的確に解決するにはどうしたらいいか。具体的、技術的な問題の解決こそ、プロの音楽家の出番です。みんなが気付けなかったこと、解決できなかったことに対して理論的な側面からアドバイスをもらいましょう。
さていかがでしょうか。当然ロングトーンも音楽です。楽しみながら新しいことにチャレンジし、クオリティアップを図ってください。そのためにも基礎を理論的に理解し、奏者自身が心から楽しむことが最も大切です。
特に部活動とはそういったことが大切だと私は思っています。
では、今回はここまでです。
また次回！
荻原明（おぎわらあきら）
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