みなさんこんにちは！
トランペットの荻原明（おぎわらあきら）です。
ただ今、複数回に分けてアンサンブル（室内楽）について解説をしております。今回は作品を完成させるための練習内容や練習方法について解説してまいります。
指揮者がいないアンサンブル曲練習
音楽大学では吹奏楽、管弦楽、ソロ、そしてアンサンブル（室内楽）と様々な形態の音楽を学びます。
思えば中学生の頃から曲作りの現場には必ず「教える人」「進行役」がいました。部活では指揮者兼指導者の大人がいたし、学生指揮者もいました。音大に入っても当然講師の先生がいらっしゃる。だから基本的には指示されたところを演奏し、改善点を指摘される。言い方が適切かわからないけれど、その場で座っていれば事は進んでいったわけです。
しかしアンサンブル練習では進行役や先生役がいません。
曲を通してみると、なんだか合っていない感じはかろうじてわかっても、それをどうすればよいかわからない。
それ以前にどうやって進行すれば良いのかわからない。演奏を途中で止める人がいないので何度も何度も通して時間が経過し、改善することなくバテて終了、という状態。なんとなく「休憩しよう」と言うのもはばかられる感じ。
これは練習とは呼べません。どうしたらよかったのでしょうか。
指導者的リーダーはメンバー内に必要ない
アンサンブルの進行や完成までの流れ、何が必要でどうすべきかを奏者（学生）が理解した上で練習に臨むことが重要なのですが、意外にそうした進行のコツなどの情報提供や教育を大人がしているところが少なく、非効率的な時間を過ごしているように感じることが多々あります。
その典型が、練習時間がダメ出し反省会になってしまう状態です。
「そこずれたよね」
「音程悪いよね」
指揮者や指導者が前にいて、その人たちが言葉で我々にアドバイスをしたり進行をしていることばかり見てきた奏者であれば、その発想に至るのは当然です。音楽の進め方とはそうあるべきだと思ってしまいますよね。
しかし、この「言葉による進行」は意外に難しい。指揮者を例にすれば、あらかじめ頭の中に具体的な完成図があった上で、その方向性と異なる部分を指摘し、軌道修正する。その際、何が違うのかを明確にするだけでなくどのようにするのかを伝えなければ、それは単なる否定、いわゆるいわゆる「ダメ出し」になってしまいますが、この指導能力はを中高生の誰しもが持つのはかなり難しいです。
以前NHKでNコンという合唱コンクールのドキュメント番組を放送していたのを見ましたが、ある高校はパートごとに生徒たちだけで曲作りをさせていて、そのパートリーダーを上級生が担っていました。とは言え、全国大会に行く合唱部だろうが、そこにいるのは普通の高校生。しかも上級生と言ってもたかだか1つ2つしか年齢が違わない。追い打ちをかけるようにその子は非常に真面目で責任感が強く（学校の先生が好きな典型）、そしてネガティブ傾向でした。こういった子が仕切り役になると、強烈なダメ出し大会が始まってしまうのです。
「タイミングが合っていないから合わせてください！」
「音程が悪いので直してください」
「声が汚い！きれいにしてください」
いや、そんなこと言われたって、どうやったらいいのか…となってしまいますよね。もれなく後輩たちはザワザワしてしまう。空気が悪くなり、みんなのテンションも下がる。それを察知して一番凹むのが一番頑張っているリーダーの先輩。
ダメ出しは一見、一生懸命頑張っている印象を持ちますが、解決策を持たない投げっぱなしの言葉のために、あまりにこれが続くと「私たちは下手なんだ」「ダメなんだ」と追い込んでしまい、心理的にとても辛いものがあります。
これは生徒たちが悪いのではありません。ヒントという起爆剤を投入したり、パート内が険悪な空気になる前にリーダーへ「指導とはどういったことか」を伝えて、軌道修正できるチャンスを与えなかった近くの大人が悪いのです。
それにしても最悪なのはテレビで、それをさも青春ドラマのように楽しそうに編集し放送していることに嫌悪感を抱きました。
こんな話が他人事ではないと感じた方、結構いらっしゃるのではありませんか？ダメ出しでは解決しないのは管楽器のアンサンブルでも全く同じです。
そもそも、アンサンブルにおける演奏者は全員が同列の立場でいるべきで、その中に特定の音楽的指導役は必要ないと考えます。
進行は言葉ではなく演奏で
ではどのように曲作りをしていけば良いのでしょうか。明白です。演奏で示せば良いのです。
我々は音楽をしているのに、楽器から音を出さず、言語を使って音や感情という目に見えない存在を言葉で語ろうとするほうがよほど難しいのですから、自分が「こうしたい」「これが良いと思う」「こういうのはどう？」というイメージや提案を思い切り演奏で出してください。
先ほどの一生懸命すぎるリーダーさんのように例えば「タイミングが合わないから合わせてください」と言うのではなく、タイミングを合わせようとする意思を持っているのか。そのためにはどうすればいいのかを考えて、ともかく実践してみるのです。
その際にすべきことは2つあります。「送信」と「受信」です。
他の奏者へ主張する「送信」。もうひとつは、自分と同じようにメンバーそれぞれが送信してくれているものを察知する「受信」です。
多くの場合、送信電波が弱過ぎて（もしくはまったく出さないので）誰も気づいてくれないことが多いのです。誰かのテンポにつっくいていこうとしたり、誰かの出したピッチと合わせようとしたり。日本人は特に、謙虚でいることが美徳とされてきた風潮があるせいか、主張をすることがが良くないことと勘違いしている人が多いのですが、「こんな演奏をしたい」という意思やイメージをきちんと伝えることは音楽にとって絶対に必要です。
そうなると、もうお分かりかと思いますが、特にアンサンブルにおいては合わせの日までに譜読みができていないのは（原則的に）あってはならないのです。アンサンブルは誰かが演奏できない箇所があると、もうそれだけで曲が形を維持できなくなってしまうので（音がなくなるだけではない）、それぞれのパートに課せられた重要さを理解し、完成させた上で合わせに臨むよう心がけてください。
目で会話をする（アイコンタクト）
電波の送受信が強い演奏ならば、そのメンバーでその時に作り上げていく作品の方向性が明確になっていきます。
その送受信は当然言葉ではできないため、「目」で行います。
「目」ってすごいですよね。目が合うと心が動きませんか？別に愛だの恋だのとかではなくて、まるで電話が繋がっている時のような、一対一で意思疎通ができるタイミングを得ているんだ！という実感を持ちませんか？これを演奏時に使います。
例えば、同じ場面でメロディを一緒に演奏する奏者へ1小節前くらいから目を見て、そしてアインザッツをする（きっと相手も同じ動きをしてくれます）。これだけで何と安心感の強いことか。アイコンタクトはアンサンブルにおいて大変重要なアクションのひとつです。
演奏開始時もアイコンタクトが大切です。アンサンブルの場合1stトランペットの奏者が演奏開始のアインザッツを出すことが多くなると思いますが、楽器を構えて全員の準備が整ったのかをアインザッツを出す奏者（ここでは1stトランペット）がしっかり確認します。それに答えるようにして他の奏者全員が「準備OKだよ」と1stトランペットに目で合図をする。これが成立したら演奏開始です。
予定調和だけでは面白くない
大勢で演奏する吹奏楽とは異なり、アンサンブルは原則としてひとつ1パートです。これが何を意味するかと言うと、
「上手くやれば周りに迷惑をかけずに好きなことができる」
のです。
吹奏楽の場合、指揮者のプロデュースによって作品を完成させ、それをお客さんに披露するのですから、指揮者が望んでいないこと、約束していないことを本番で突然やり始めてしまうのはかなりハイリスクです。
もちろんアンサンブルでも他の人が困惑するレベルの予想外なことをしたらダメですが、例えば練習の時よりもリタルダンドを強めにかけたり、アゴーギクを大きくしたり、あと金管アンサンブルで多いバロックより昔の中世・ルネサンス時代の編曲作品などでは、楽譜に書いていない装飾的なメロディを自由に作ることが許されています（というか求められています）。これを毎回若干違う内容にすることも崩壊しない範囲であればOKです。
こういう行為を「仕掛ける」と言う場合もありまして、アンサンブルがよりスリリングでライブ感のあるものになる魅力のひとつと言えます。
「揃える」とは
先ほどの「送信」のときにも話題にしましたが、日本人特有の気質が西洋音楽に合わないことも結構多くて、この「揃える」という言葉も音楽的な捉え方が間違っている方が多いです。
日本人の大多数の「揃える」とは、「出る杭は打たれる」的な他の人と違う点を排除する完全なコピーです。
しかしこれは音楽において魅力を半減（もはやそれ以上）させてしまいます。音楽とは、個性的な奏者同士が同調し、相手を尊重して調和するものですから、わざわざ自分の意思や好きなことを隠して、楽譜に書いてある情報を忠実に再現する集団では本当の意味でのアンサンブルとは言えません。
いかがでしょうか。アンサンブルの基本は、個々の奏者の個性と意思がはっきりしていて、それでいて相手の言葉に耳を傾けられる人です。
どんどん主張して、楽しいアンサンブルにしていってください。
それではまた次回！
荻原明（おぎわらあきら）
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